Estas son las exposiciones que puedes ver actualmente en el MUA:
// 11.11.2024 – 21.11.2024 / Sala POLIVALENTE
Mga Anak ng Timog. Hijos del Sur
La exposición está compuesta por una muestra de textiles autóctonos de diferentes grupos etnolingüísticos del sur del archipiélago filipino pertenecientes a la colección privada de doña Carmen Murga. Después de dejar su ciudad natal de Zamboanga, en la isla de Mindanao, doña Carmen se instaló en la provincia de Alicante, donde trajo con ella su colección de tejidos y memorabilia. Al lado de las fotografías realizadas por la artista María Marí Murga, comisaria de la exposición, la muestra pretende ser una primera aproximación al espíritu del pueblo filipino en ocasión del mecenazgo institucional del Consulado de Filipinas en Barcelona hacia la Universidad de Alicante, en aras de difundir el Filipinismo como disciplina científica en España.
La exhibición presenta la proyección del documental ¨Mga Anak ng Timog. Hijos del Sur¨, un proyecto videográfico de la artista filipina española en colaboración con las comunidades Badjao y Sama Banguingui de Zamboanga.
// 20.09.2024 – 24.11.2024 / Sala SEMPERE
10 Residencias de creación e investigación artística del MUA
Diego Balazs, Lorena Lorca, Brisa MP, Lucía Mir, Elisa Terroba
El Museo de la Universidad de Alicante (MUA) mantiene desde su creación un decidido compromiso con el arte contemporáneo. Fruto de esta apuesta nacieron en 2015 las “Residencias de creación e investigación artística del MUA”, una convocatoria pública e internacional con el objetivo de promover y dinamizar la creación e investigación en arte contemporáneo.
En cada edición se seleccionan cinco proyectos artísticos para ser desarrollados durante dos semanas en las instalaciones del museo gracias a unas becas de producción. Durante este periodo los residentes tienen la oportunidad de trabajar en el museo, imbuirse en la propia dinámica del centro y recibir asesoramiento del personal técnico para dar forma a sus proyectos.
Este 2024 estamos de aniversario porque presentamos la exposición de la décima edición de las residencias que han tenido lugar entre el 9 y el 20 de septiembre, consolidando una iniciativa que convierte al MUA en un centro de referencia en producción e investigación en arte contemporáneo. Los 5 proyectos seleccionados han sido desarrollados por los artistas Diego Balazs, Lorena Lorca, Lucía Mir Tort, Elisa Terroba y Brisa MP. Un conjunto de artistas heterogéneos que durante este breve periodo han compartido experiencias y han focalizado todos sus esfuerzos en dar forma a sus proyectos artísticos que hoy se presentan en el Sala Sempere del MUA.
Esperamos que disfruten de esta muestra y se dejen arrastrar por los horizontes creativos que nos ofrece el arte en la actualidad.
Espacio Lúdicon’t
Diego Balazs
El proyecto pictórico e instalativo Espacio Lúdicon’t versa sobre el uso de la limitación como herramienta potenciadora de juego y reflexión. Esta dinámica está sujeta al concepto de dinergía (término acuñado por György Doczi, que representa la unión de opuestos complementarios), por lo que nos servimos del no-hacer como elemento activador de juego. Partimos del error para generar una relectura del objeto lúdico y forzar al espectador a debatir sobre una nueva resolución lógica. Esta revisión del juguete se apoya en una estrategia de atajo: la viveza criolla y post-criolla y, por ende, su relación con la picaresca española. Siendo esta un rasgo cultural de latinoamérica que consiste en la evasión de la normatividad para buscar vías alternas y transgredir el medio.
Partimos de la descontextualización del objeto lúdico como epicentro investigativo para contemplar múltiples resoluciones de lectura. “Papá, no debes besar la locomotora, porque si lo haces, piensan los coches que no es de verdad” es una frase de Johan Huizinga en su libro Homo Ludens en la que, al igual que en el proyecto, reflexiona sobre la transformación y proyección del humano al jugar. El niño cuando performa de locomotora, es locomotora. En este caso, se potencia dicha conversión del espectador a jugador y, al ser jugador, está expuesto a ser jugado.
/bibliografía
Elisa Terroba
El proyecto /bibliografía investiga los libros como soportes culturales y su capacidad para conservar la memoria. Propone entender el libro como un espacio-tiempo que alberga múltiples capas de información, enfocándose en los rastros dejados por los usuarios de la Biblioteca General de la UA (notas, marcas, subrayados, fotos, etc.) como parte de una arqueología contemporánea. Estos elementos inadvertidos construyen una narrativa intertextual que revela la forma en que los lectores interactúan con el conocimiento.
El objetivo del proyecto es documentar y explorar estas interacciones, entendiendo los libros no solo como objetos de lectura, sino como espacios donde convergen el uso y la apropiación del conocimiento. Los márgenes y pliegues de los libros se conciben como lugares disidentes que fomentan la emergencia de nuevas narrativas y significados, no solo como espacios físicos, sino también conceptuales, que permiten la creación de nuevas interpretaciones.
De lo particular a lo vegetal
Lucía Mir Tort
Este conjunto de obras presenta una fusión de formas geométricas precisas y elementos naturales imaginados, creando un diálogo dinámico entre lo orgánico y lo esquemático. A través de esta combinación se logra construir un universo visual que desafía las fronteras entre la naturaleza y la lógica estructural. Conceptualmente, los paisajes que emergen de estas obras resultan de una exploración profunda del entorno, de objetos que parecen contener en sí mismos paisajes ocultos, como las piedras, evocando el arte del suiseki, en el que se valora la capacidad de las piedras para sugerir paisajes y emociones.
Con este proyecto se busca desafiar la percepción tradicional del dibujo, relegado a un boceto previo o trámite conceptual. El dibujo cobra importancia como resultado final y material expositivo, siendo el protagonista absoluto, apreciado por su propio mérito como una obra de arte completa y autónoma.
Forest
Brisa MP
¿Será en el futuro la naturaleza como hoy la conocemos?, ¿cómo serán nuestros entornos naturales, corporalidades, ambientes en el futuro?, ¿será posible que las máquinas se integren a tal punto que generen nuevas especies, incluso con la naturaleza?, ¿podemos pensar en las máquinas como colaboradoras, parte integrada en nuestra sociedad, que nos ayuden a evocar aquello que ya hemos perdido?
Forest es una pieza de Artes Mediales que entrecruza técnicas y materialidades diversas donde se hibridan las Artes Visuales, Physical Computing y la Robótica, dando importancia a la experimentación, a los procesos materiales y artesanales con bajas tecnologías Do It Yourself, Hardware y Software Libre. Del mismo modo, la pieza incluye material encontrado orgánico e inerte site-specific propio del entorno de la UA. El proyecto se sitúa desde la pregunta, en un terreno movedizo y poroso de cara a un futuro incierto, entendiendo la práctica artística como un espacio vivo, de prueba/error alejado de la receta y la repetición.
Forest es un gesto artístico y crítico, un imaginario híbrido de pequeños movimientos, donde habitan fragmentos y restos, situándonos unos años más adelante, cuando miremos con cierta nostalgia, tal vez, aquello que hemos perdido.
Nostarte anticipado
Lorena Lorca
El proyecto se basa en la práctica artística como herramienta para estudiar los procesos previos a la pérdida. El sentimiento de pérdida respecto a una persona o respecto al propio tiempo suele desembocar en una nostalgia anticipada complicada de descifrar. El paso del tiempo y el acelerado ritmo de vida que la sociedad carga hoy en día deja a un lado la sensibilidad para apreciar lo efímero de la vida.
La percepción pausada de los ritmos naturales de anhelo, nostalgia y pérdida se ensalzan a través de la interpretación artística en este proyecto. El resultado ha de ser un diálogo entre pérdida y presencia, entre la existencia de alguien y su previsible partida. Es importante subrayar el uso de la fotografía ya que se utilizan imágenes realizadas y editadas por la artista en las que salen personas que motivan esta reacción de nostalgia anticipada.
// 15.11.2024 – 01.12.2024 / Sala CUB2
TEMPS D’ART. EN CLAU FEMENINA (Som humans perquè som art)
Empar Santamarina
La Cátedra Antoni Miró de Arte Contemporáneo se creó en 2015 con el objetivo de promover y contribuir al conocimiento y a la difusión del arte contemporáneo, especialmente valenciano. La Cátedra nació con la voluntad de ser un núcleo de reflexión, debate, investigación y divulgación en el campo de l’arte contemporáneo, como también de las relaciones con el pensamiento y con el resto de manifestaciones artísticas: literatura, música o cine, entre otros.
La Cátedra Antoni Miró de Arte Contemporáneo de la Universidad de Alicante, con el apoyo de la Generalitat Valenciana, ha convocado este año tres ayudas destinadas a la producción de exposiciones en concepto de materiales y publicación de catálogos. Los ganadores, Empar Santamarina, Grupo “Passejades per Xàtiva amb Estellés” y Claudia Pastomás, expondrán sus trabajos individualmente y de manera consecutiva a lo largo de los meses de noviembre y diciembre de 2024 y enero de 2025, en la sala Cub2 del Museo de la Universidad de Alicante.
La propuesta de la artista valenciana Empar Santamarina es la primera de estas tres propuestas. Empar Santamarina nace, vive y trabaja en Valencia y cuenta con una larga trayectoria como artista plástica en las disciplinas de pintura y escultura. Su obra parte de un expresionismo abstracto, que evoluciona hacia un sintetismo minimalista. Tras realizar un amplio recorrido por la pintura de paisaje, como eje discursivo pictórico, en la actualidad experimenta el mestizaje de las diferentes disciplinas artísticas. Utiliza una técnica principalmente mixta, con un predominio del color y la textura, con la introducción de muy diversos materiales en la instalación y el arte efímero.
En los últimos años, ha consolidado una línea de trabajo en la cual aúna principios pictóricos y volumétricos en el mismo discurso estético. Una experiencia formal, que explora las calidades táctiles y visuales de los materiales, que construyen entidades artísticas propias, exentas de cualquier referente alusivo a crear un espacio naturalista o ficticio de cualquier orden, en línea con las tendencias existentes en el arte óptico y el arte cinético.
La propuesta EN CLAU FEMENINA (Som humans perquè som art) combina diferentes tipos de lenguajes y realiza hibridaciones alrededor de la bidimensionalidad y la tridimensionalidad. El objetivo de este proyecto se encuentra dentro de la instalación, la pintura, la escultura y el dibujo, disciplinas artísticas con las cuales se construye una diversidad de identidades espaciales en clave femenina.
Empar se sitúa dentro del movimiento cultural encaminado a visibilizar el silencioso y silenciado trabajo de la mujer en el entorno doméstico y en sus aportaciones al hogar del tiempo. Y lo hace experimentando el mestizaje y conjugando principios pictóricos y volumétricos en el mismo discurso estético, construyendo entidades plásticas, destinadas a crear un diálogo entre el espectador, el contenido y el continente.
// 02.12.2021 – 02.12.2024 / SALA ALCUDIA
YACIMIENTO ARQUEOLÓGICO DE LA ALCUDIA
El yacimiento arqueológico de La Alcudia está gestionado por la Fundación Universitaria La Alcudia de Investigación Arqueológica. Lugar emblemático en el que se descubrió la Dama de Elche a finales del siglo XIX, fue declarado Bien de Interés Cultural en 1992 y es propiedad de la Universidad de Alicante desde 1996. En estos 25 años, la investigación ha ahondado en los distintos períodos de ocupación del yacimiento, desde el Neolítico antiguo (en el V milenio a.C) hasta el siglo VIII, momento en que es abandonado por los árabes para desplazar su núcleo urbano al actual emplazamiento de Elche.
Prehistóricos, íberos, romanos y visigodos habitaron una región rica en agua y tierras de cultivo. Uno de los momentos de máximo esplendor se dio en el siglo I a.C., concretamente en el año 26, cuando el primer emperador de Roma, Augusto, crea la Colonia Iulia Ilici Augusta. A partir de entonces, la ciudad se dota de nuevas infraestructuras para uso religioso y civil, de alcantarillado, lujosas casas particulares (llamadas domus) y termas que dan servicio a una próspera población.
Desde el siglo I al IV, en los alrededores del recinto amurallado, se construyeron grandes casas de campo (conocidas como villas) con mosaicos, pinturas murales e incluso baños termales privados, algunos de cuyos restos, procedentes tanto del yacimiento de La Alcudia como del Museo Arqueológico Nacional, se pueden contemplar en esta exposición.
En la muestra se exhiben piezas relevantes encontradas en las excavaciones de Ilici: un mosaico de grandes dimensiones perteneciente a las termas privadas de una villa romana; vasijas cerámicas ibéricas, romanas y visigodas; la tabula de Ilici (uno de los documentos epigráficos en latín más antiguos de la Comunidad Valenciana), que contiene datos del reparto de tierras entre una decena de colonos romanos; materiales domésticos como jarras, monedas, cuencos o lámparas de aceite (llamadas lucernas).
Los paneles explicativos y los audiovisuales permiten una aproximación a la historia de Ilici y del yacimiento, a los materiales hallados en las excavaciones y al trabajo arqueológico y de restauración que se desarrolla desde la UA y la Fundación La Alcudia.
El espacio final de la exposición queda reservado para mostrar los proyectos de investigación de tres equipos arqueológicos de la UA que están excavando actualmente en diferentes sectores de La Alcudia: Proyecto Damas y Héroes (en el lugar del hallazgo de la Dama de Elche); Proyecto Astero (en la zona de las termas orientales); y proyecto Domus (en uno de los sectores residenciales al norte de la ciudad). Tal actividad investigadora da buena cuenta de cómo cada campaña de excavación arroja nuevos descubrimientos que son fundamentales para entender la actividad humana y desentrañar la historia de Ilici.
// 30.10.2024 – 30.03.2025 / Sala CUB
Huellas en el tiempo. 25 años MUA
Cuando el MUA cumplió 20 años, para celebrarlo decidimos editar una publicación que recogiera la labor realizada durante las dos primeras décadas de andadura del museo. Ahora que llegamos a nuestro 25 aniversario, hemos pensado que es un buen momento para revisar la colección que se ha ido atesorando y así, de algún modo, agradecer la generosidad de artistas, coleccionistas, equipos rectorales y profesorado de esta universidad que han creído en el proyecto del museo y han contribuido a engrandecer sus fondos artísticos, habiendo superado actualmente con creces las 2.000 obras.
Estos datos tan positivos suponen al mismo tiempo una dificultad para la organización de esta exposición, pues el número de obras que hemos podido seleccionar, por cuestiones de espacio, solo es un centenar, lo que supone que el porcentaje de piezas exhibidas en esta muestra es menor al 5%.
Como pueden imaginar, la decisión de qué obras seleccionar y cuales no, ha sido un verdadero quebradero de cabeza, pues los criterios por los que nos hemos tenido que regir han sido muy variados.
Para empezar, había un importante número de obras que no podían ser seleccionables por estar presentes en otras exposiciones del museo o en diferentes espacios de la universidad. En el primer caso, bendito problema, pues, aunque las obras no estén presentes en esta exposición, si pueden disfrutarse en el museo visitando las exposiciones: “Mucho cuento. Relatos visuales en la colección del MUA”, “Espai Arcadi Blasco” y “Colección Daniel Escolano”. En el segundo caso, entendimos que no era oportuno desmantelar los diferentes espacios universitarios en los que había obras del museo en préstamo, pero descartando éstas, el número de piezas seleccionables aún era elevadísimo.
Otro criterio que tuvimos en cuenta fue el de que cada artista presente en la exposición estuviera representado tan solo por una obra, con contadas excepciones en las que entendimos que era más comprensible incorporar alguna creación más, al no funcionar como obra única sino como serie.
Un aspecto que ha tenido mucho peso en la elección de piezas ha sido el que fueran las más representativas en cuanto a las líneas que el museo ha tomado en diferentes épocas. Se ha priorizado el que la obra seleccionada pudiera explicar de modo más certero como se estaba formando la colección o que es lo que estaba pasando en el museo en un determinado momento. Así que, en ocasiones, ha primado sobre todo la idoneidad.
Seguro que echarán de menos alguna obra que no está presente en la exposición y se sorprenderán por alguna otra que no esperaban encontrar, pero podemos asegurar que la selección ha estado guiada por la seriedad y honestidad del personal del MUA, conocedores como nadie de la colección y verdaderos garantes del patrimonio artístico de la Universidad de Alicante. Espero que disfruten de esta muestra en la que hemos puesto tanto corazón.
// 10.11.2016 – 01.07.2025 / Sala NAIAS
Colección Daniel Escolano
Daniel Escolano
La Sala Naia del Museo de la Universidad de Alicante acoge una muestra sobre el artista Daniel Escolano (Alicante, 1954-2022). Esta exposición propone un recorrido cronológico por el particular universo de este creador, a través de dibujos y pinturas que evolucionan desde el surrealismo y el realismo mágico de sus comienzos, hacia la depuración de líneas y la abstracción de la última década.
Daniel Escolano bebía de múltiples influencias que recreaba de un modo singular. Entre sus herencias encontramos a Dalí —al que conoció personalmente—, su maestro Pedro Picó y el surrealismo. A ella se suman otros influjos procedentes de universos tan diferenciados como la mitología grecolatina, la religión cristiana, la filosofía budista zen o el mundo del cómic y del manga, además del psicoanálisis freudiano y las observaciones empíricas de la naturaleza. El propio artista comentaba: “Mi obra es una galaxia creativa, cúmulo de culturas pasadas y futuras. El presente lo aportan ustedes”.
Las trayectorias vital y artística de Escolano están íntimamente relacionadas entre sí, y no se entiende la una sin la otra. Daniel afirmaba: “Desde siempre lo que no tenía me lo daba mi mundo interior-imaginativo. A los quince años pinté un cuadro de gran formato titulado Padres del Universo. Más adelante, me licencié como profesor de dibujo por la Escuela Superior de Bellas Artes de San Jorge de Barcelona. He realizado ilustraciones, joyas, poesía, cuerpos pintados, decoración… los proyectos son interminables. Mi paciencia es eterna y mis días son de 48 horas”
La muestra que hoy se puede contemplar en el MUA es una cuidada selección de las más de 70 obras propias que Daniel Escolano donó a la Universidad de Alicante en 2014.
// 22.01.2024 – 20.07.2025 / Sala ARCADI BLASCO
Mucho cuento. Relatos visuales en la colección del MUA
Marco Algovia, Pedro Álvarez, Begoña Baeza, Dis Berlin, Nacho Bolea, Joan Castejón , Cristina de Middel, Cayetano Ferrández, Cristina Fontsaré , Laila Hotait, Alicia Lamarca, Javier Lorenzo, Paloma Muñoz y Walter Martin, Santi Tena
Como cada año, el Museo de la Universidad de Alicante renueva la exposición de su colección tomando como punto de partida la elección de una temática que se convierte en el criterio principal para seleccionar las piezas. En esta ocasión el tema elegido ha sido la obra de arte como narradora de historias.
«Mucho cuento. Relatos visuales en la colección del MUA” es una invitación a conocer un fascinante universo que se despliega a través de 14 creaciones de 15 artistas que nos permiten adentrarnos en mundos reales e imaginarios, memorias íntimas, denuncias sociales, aventuras de amor y deseo, reflexiones sobre los tiempos que vivimos… piezas que trascienden lo puramente objetual para convertirse en auténticas narraciones visuales capaces de contar historias intensas y conmovedoras.
Las obras presentes en la exposición están realizadas en diferentes medios como la pintura, la fotografía, el collage o el vídeo.
La pintura es un medio atemporal que permite a los y las artistas compartir sus inquietudes, sueños y desvelos, sus vivencias y principios, su ideario e imaginario.
La fotografía, liberada definitivamente de su naturaleza documental, queda al servicio de la creación contemporánea para convertirse en uno de los medios más expresivos, sumergiéndonos en momentos congelados en el tiempo, capturando la esencia de un instante y contándonos historias de vida, amor, dolor y esperanza.
Los collages, con su capacidad de fusionar elementos diversos, nos invitan a crear conexiones inesperadas y a reinterpretar la realidad. En este formato, encontramos un lenguaje visual que nos muestra como diferentes fragmentos pueden unirse para construir una nueva y emocionante narrativa.
La pieza de video presente en la exposición nos cuenta, con enorme sutileza y desgarro, una historia real, cargada de emoción y denuncia social.
La exposición «Mucho cuento. Relatos visuales en la colección del MUA” evidencia el poder de la figuración como fuente inagotable para narrar historias. Cada pieza expuesta es una puerta abierta a la imaginación, una oportunidad de viajar a través de la mirada y descubrir el mundo a través de la creatividad, un encuentro enriquecedor con la capacidad transformadora del arte.
// 09.07.2021 – 01.07.2026 / Sala ESPAI ARCADI
Espai Arcadi Blasco
Arcadi Blasco
Arcadio Blasco (Mutxamel, 1928 – Madrid, 2013) es uno de los más reconocidos artistas alicantinos del siglo XX, distinguido con el Premio de las Artes Plásticas de la Generalitat Valenciana en 2005 y el Premio Nacional de Cerámica en 2010.
Se formó en la modalidad de pintura en las Escuelas de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) y San Carlos (Valencia) durante los años 40 y 50. No obstante, su práctica artística le llevó a adentrarse en otros ámbitos como la escultura, la vidriera y, sobre todo, la cerámica.
Las piezas presentes en este espacio las realizó entre 1980 y 2001, dos décadas en las que se aprecia la madurez artística de su autor y en las que trata temas como los prejuicios y las mentiras avaladas por el poder, el miedo inexplicable y ancestral o la fuga del tiempo.
La ideología de Arcadio Blasco se filtra eficazmente en su producción, obteniendo un resultado personal, en ocasiones político, y siempre impactante. Estas características son fácilmente reconocibles en sus “Arquitecturas para defenderse del miedo”, donde la ironía y el desencanto político se materializan a través de la cerámica.
Especialmente destacables son las “Ruedas de molino”. Una serie inspirada en el refrán “comulgar con ruedas de molino” que reflexiona sobre las imposiciones difícilmente digeribles.
Las denominadas “Nuevas arquitecturas” son esculturas cerámicas monumentales, diseminadas por toda la geografía española, que adquieren forma de torres, arquitecturas defensivas o arcos de derrota. Estas obras están representadas en este espacio a través de maquetas, dado el colosal tamaño de las piezas definitivas ubicadas en espacios públicos.
A través de sus obras, Arcadio Blasco pretende protegernos del miedo en una incesante búsqueda de la razón y la libertad. En palabras del propio artista: “sumergido en inquietante belleza, puede el hombre sentirse inmune a los ataques exteriores”.
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